¿Me quieres seguir? ¿En qué dirección?

Vista de la exposición ¿Me quieres seguir?¿En qué dirección?, 2016.

Ana Roldán. This is boring. No it's not, 2016.

Ana Roldán. This is boring. No it's not y Cuerpos negativos, 2016.

Ana Roldán. Cuerpos negarivos, Serpiente 6; 11; 18; 14, 2016. 29 x 40 cm. Neón, pintura.

Miguel Huertas. Las líneas de la vida y Umbral, 1995 - 2016.

Presencia ,1994 de Miguel Huertas y El reflejo de la parte que perdió su cuerpo,2016 de Ana Roldán.

Ana Roldán. Reflejo de la parte que perdió su cuerpo, 2016. Obsidiana, Madera.

Miguel Huertas. Sin título, 1988-89. Técnica mixta.

Ana Roldán. Noon vs Noon, 2016. Neón.

Miguel Huertas. Pequeño homenaje, 2002. Carbón sobre papel.

Miguel Huertas. Las líneas de la vida, 1995. Carbón sobre papel.

Miguel Huertas. Umbral, 2015-16. Carbón sobre pared.

Miguel Huertas. Cuerpo cerrado y Marsias, 1988 y 1994.

Miguel Huertas. Sin título, Cuerpo cerrado y Marsias, 1988 y 1994.

Miguel Huertas. Memoria, ca., 1993. Madera, carbón sobre papel.

Entrar y salir; ir y volver; partir y regresar. El umbral es ese lugar intermedio en donde podría ubicarse el proceso creativo, que nunca tiene principio ni fin. Instituto de Visión presenta un diálogo entre los artistas Miguel Huertas (Bogotá,1959) y Ana Roldán (México D.F, 1977) quienes a través de temáticas diversas han trabajado a partir de la revisión de su archivo personal y esto por más inocuo que parezca se torna en un elemento central de reflexión: ¿cual es la dirección que debe tomar un artista si avanzar implica tal vez ir hacia atrás?. Cada uno ha estado en ese umbral de lo incierto,porque es desde allí donde se puede superar la superficie. La superficie de la materia, pero también de los conceptos.

Para Miguel Huertas, el dibujo es una extensión de si mismo, y ha sabido entenderlo de las maneras más complejas:como un objeto paradójico que se reduce al grado cero de si mismo; como un ensayo trazado sobre un plano que se torna en algo tridimensional; como una historia en si, en donde cada trazo es un signo de vida, un gesto; como una superficie llena de capas, capas de boceto, capas de texturas, capas inicio y capas de fin.

Ana Roldán, reflexiona sobre la dualidad, para desarrollar un trabajo que presenta contrastes, reflejos y símbolos. La muestra se destaca por no buscar absolutismos, si no por más bien lograr que una interrogación sea la respuesta que un espectador puede estar buscando en su apreciación de la vida y de la experiencia creativa. La artista se adentra en la filosofía y el psicoanálisis para habilitar dudas sobre el cuerpo cosificado. El cuerpo humano o animal, que en casos se niega , en otros se fragmenta y es abstraído para ser una experiencia de positivos y negativos, de blancos y negros.

Entering and leaving; going and coming back; departing and returning. The thresh-old is this intermediate place in which the creative process could be located; a place without beginning nor end. Instituto de Visión presents a dialogue between the art-ists Miguel Angel Huertas (Bogotá, 1959) and Ana Roldán (México D.F, 1977) who, through diverse topics, have been working on and from the revision of their personal archive. Although it might seem innocuous it becomes a central element for reflexion: which is the direction that an artist should follow if going forward often means looking back?. They both have been in this threshold of incertitude because it is from there that the surface can be overcome -the surface of matter and that of concepts.

For Miguel Huertas drawing is an extension of oneself and he has manage to under-stand it in the most complex manner: as a paradoxical object reduced to its minimal expression, as a draft drawn on a plane that becomes tri-dimensional, as a story in which every piece is a signal of life or a gesture, as a surface full of layers, layers of sketches, layers of textures, layers of beginnings and of ends.

Ana Roldán reflects on duality to develop a body of work that presents contrasts, reflexions and symbols; works that avoid absolutes and manage to transform the question in the answer that the viewer might be searching trough his appreciation of life and his creative experience. The artists ventures into the realms of philosophy and psychoanalysis to enable doubts about the commodified body. The animal or human body sometimes denies itself, fragments itself or is abstracted to become an experience of positives and negatives, of whites and blacks.